Нашли у нас полезный материал? Помогите нам оставаться свободными, независимыми и бесплатными.
Carpe diem, невидимое движение жизни, мимолетное впечатление: разбираемся, как формировалось одно из первых направлений модернизма — импрессионизм, какое воплощение он нашел в живописи, музыке и кино и что общего у картин импрессионистов и наших фотографий в соцсетях.
Импрессионизм, как и другие направления модернизма, вызывает интерес аудитории и по сей день. Даже любитель знает балерин Эдгара Дега, а шутка про художников Моне и Мане уже неактуальна. Чем простой сюжет и непривычный угол обзора так привлек зрителя? Давайте разбираться.
Для начала обратимся к теории. Слово «импрессионизм» образовано от французского impressio — «впечатление». Художники рубежа 19-20 веков уходили от академизма и искали новые формы изображения реальности, способы запечатлеть момент, поймать его в движении. Никакого сюжета и продуманной постановки кадра, только желание передать настроение, свое впечатление от увиденного. Ничем не напоминает заполонившие социальные сети фотографии? Никакой драмы, негатива и социального подтекста; на первый план выходит атмосфера, момент ускользающей жизни, и он, безусловно, прекрасен.
Вы замечали, что на большинстве фотографий в Инстаграме* нет историй? Просто лучи солнца или красивый пейзаж, или чашка кофе. Все это отголоски импрессионизма. Зародившись среди художников, это направление перетекло и в другие виды искусства, переосмыслив старые и показав другие, новые формы отражения реальности. Для того чтобы понять, что дал импрессионизм миру, начнем с его истоков.
Возникновение импрессионизма
Революционный настрой новой волны художников выступал против идей классической школы, где был важен сюжет, прорисовка всех деталей и реалистичность изображения. Академизм надоел своими канонами и высоким стилем. Сравните картины Вильяма Бугро «Купальщица» (1864 г.) с «Купальщицей на камне» (1880 г.) Огюста Ренуара – техника разительно отличается.
Слева «Купальщица» Вильяма Бугро (1864 г.), справа «Купальщица на камне» (1880 г.) Огюста Ренуара
Импрессионисты считали, что писать нужно, полагаясь на чувства, а не на правила. Стоит отметить, что они прекрасно знали методы традиционной живописи, что прослеживается в их ранних работах. Но переосмысление действительности привело их к поиску новой техники, желанию выйти в город, обратиться к другим персонажам и жанрам, что в итоге породило новое течение в мировом художественном искусстве. Известное многим выражение «я художник, я так вижу» отлично вписывается в концепцию импрессионизма, где каждая картина становилась воплощением индивидуальности ее автора.
«Правила» художников-импрессионистов
Главные художественные принципы импрессионизма нащупал и разработал в своем творчестве Камиль Писсарро. Во-первых, как было написано выше — обращение к чувствам: изображать нужно только то, на что есть внутренний отклик. Поэтому импрессионисты писали свои картины не «мозгами», а скорее «эмоциями». Из этого вытекает второе правило — искать и находить характер. Например, в картинах Дега вы увидите особые качества человека — интересные черты, жесты, мимику, которые художник замечал в буднях парижской жизни и передавал это в легких сюжетах: эпизод скачек, балета, похода в ресторан. Посмотрите на героев его картины «Абсент» (1876 г.). Художник не просто потрясающе передал настроение жизни богемного кафе, но поместил в центр героев, употребляющих галлюциногенный напиток, чьи пустые и несчастные выражения лиц сразу же бросаются в глаза.
Фрагмент картины «Абсент» Эдгара Дега (1876 г.)
Третий момент — у импрессионистов не столько отсутствовал сюжет, сколько он был прост и как бы вырван из потока жизни. Никаких сражений, жертв, религиозных мотивов, которые были свойственны академизму. Только современная городская жизнь с ее пейзажами, героями самых разных мастей и сценами из жизни. Например, у Ренуара есть целая серия картин, где центральной темой является просто завтрак: «Завершение завтрака» (1879 г.), «Завтрак гребцов» (1880-1881 г.), «Завтрак в ресторане Фурнез» (1875 г.).
Еще один принцип подхода импрессионистов заключался в умении передавать целостность картины. Художники видели сразу весь «кадр» и не не уделяли большого внимания прорисовыванию деталей. Отсюда вытекает пятый принцип — сосредоточение на цвете и форме, без детализации последней, что было обусловлено необходимостью уловить мгновение и быстро его изобразить. Художники-импрессионисты создавали лишь ощущение, а не определенный объект реальности. Если можно в двух штрихах изобразить стол, зачем прорисовывать каждую ножку и пытаться создать фактуру? Импрессионисты считали, что таким образом исчезает воздушность. Не нужно беспокоиться о технике — главное передать вечатление.
Как фотография повлияла на импрессионистов и наоборот
Пользователи современных социальных сетей отражают в своих фотозаметках заложенные Камилем Писсаро правила и принципы, сами того не сознавая. «Завтраки» Ренуара можно найти в ленте у друга, а фотографии букетов цветов (см. «Розы в вазе» 1872 г. Огюста Ренуара) уже набили оскомину. Кроме выбора тем, мы могли бы многое почерпнуть у импрессионистов — например, строить композицию, замечать главное, изображать характер, учиться «чистоте» стиля В разработанной «Фотогении» Луи Деллюка есть много интересных заметок о студийном и натуральном свете, фотогеничности кадра и актеров. — Прим. автора.. Но интересно то, что в свое время некоторые импрессионисты, тот же Дега, многое переняли у фотографов.
«Завтрак гребцов», Огюст Ренуар (1879 г.)
Дега не боялся использовать «фотографический аппарат» для изучения пластики движения, чтобы потом максимально точно передать арабеск балерины (картина «Завершающий арабеск» 1877 года, скульптура «Арабеск на правой ноге, левая рука вытянута вперед» 1898 года). Неслучайно именно Дега называют «импрессионистом жеста». Для него была важна кинетическая точность в искусстве, поэтому вслед за зарисовками в театре пришел Kodak. Посмотрите на его картины «Репетиция» (1877 г.) и «Балетная школа» (1879 г.) – в них интересно композиционное расположение: в глаза бросается лестница, которая, в свою очередь, «режет» фигуры балерин на куски. Тем самым художник достигает эффекта сиюминутного движения, будто через мгновение по этой лестнице спустится балерина, чтобы продолжить репетицию.
Если мы посмотрим на картину Моне «Бульвар Капуцинок», увидим многое от фотографии — от «смазанного» изображения движений до размытого фона в дальней части изображенного бульвара и эффекта «стоп-кадра», пытающегося схватить один момент из жизни.
Не все художники-импрессионисты видели что-то полезное для себя в фотографии. Напротив, большинство из них считали, что задача их полотен передать образ, а не четкое изображение человеческой фигуры. Кроме того, они считали, что фотография не способна передавать тонкие движения души. Посмотрите на картину «Дама с зонтиком» 1875 г. Клода Моне. Разве отсутствие солнца привычной для нас формы так уж критично? Художник показал лишь блики, и для зрителя этого достаточно, чтобы поймать настроение всей картины.
И если в прошлом художники часто участвовали в дебатах, обсуждая роль и влияние фотографии на живопись, то сегодня мы видим, что оба вида искусства живы и существуют независимо друг от друга.
Импрессионизм в музыке и кино
Импрессионизм как направление в искусстве открыли художники, но это не значит, что импрессионизм ограничился живописью. Если и определять общие черты импрессионизма как направления в целом, то это скорее уход от академического исполнения. Лучше всего это удалось музыкантам. Оно и понятно — передать чувства через ноты несложно. Клод Дебюсси, Эрик Сати уходили от строгих форм, показывая лишь «Лунный свет» или «Весну». Музыкальному импрессионизму было чуждо изображать героику. Музыканты, как и художники, находились в постоянном поиске новых форм, экспериментировали, дабы найти свой оригинальный стиль. Но эта жажда нового отражалась и в литературе, и в скульптуре, и в кинематографе. Последний пункт – отдельная история, так как именно киноимпрессионизм оказался не самым удачным примером этого направления.
Возникновение киноимпрессионизма
Если другие представители импрессионизма, несмотря на использование принципов направления, долго отрекались от этого определения, то историки кино громко прозвали новое течение «киноимпрессионизмом», или «первым авангардом». Оно зарождалось по тому же сценарию, что и импрессионизм в живописи: во Франции, с революционным настроем. Кино во время первой мировой войны было очень популярно: Чарли Чаплин, вестерны, мелодрамы — кино успешно справлялось с задачей ухода от непривлекательной реальности в мир грез. Но были и противники пустого, коммерческого кино, американского преимущественно. Молодые парижане — писатели, критики — хотели видеть в кино искусство. Одним из ярких представителей авангарда был Луи Деллюк. Он считал, что кино должно двигаться в сторону мысли героя, а не демонстрировать фактичность его действий. Минимум событий — максимум настроения. Его фильм «Молчание» 1920 года — яркое тому подтверждение: только пара сцен показывает действия героя, практически весь фильм — это его воспоминания, и больше ничего не происходит. Подобным образом работала и первая французская женщина-режиссер – Жермена Дюлак. В экранизации пьесы «Улыбающаяся мадам Бёде» (1923 г.) она также заострила внимание на изображении мысли героини, опустив событийную ленту. Для киноимпрессионистов кино было способом убежать в сказку, в сны. Они не высказывали своей авторской оценки, а были лишь наблюдателями, которые просто передавали атмосферу.
Режиссеры играли с формой, искали различные способы показать внутренний мир человека. В итоге излишний психологизм привел к уходу от действительности и полной потери связи с реальностью. Фильм Жана Эпштейна «Верное сердце» (1923 г.) изобилует разностью планов, двойной экспозицией, рапидом и другими техническими новшествами, но аудитория нового киноязыка не понимала. Фильмы авангардистов были сложны для публики, характеры героев слабыми, конфликта словно не было вообще. Режиссеры слишком заигрались с эстетикой и формой, забыв о содержании и, самое главное, — о своем зрителе.
Также одной из проблем киноимпрессионистов критики выделяют игнорирование монтажа, но, как известно, именно благодаря склейке кадров история приходит в движение (кстати, советская киношкола пошла другим путем и такие режиссеры, как Михаил Ромм и Сергей Эйзенштейн, стали первыми, кто обратился к теории монтажа, тем самым сделав шаг вперед в развитии киноискусства). Некоторые режиссеры и вовсе призывали порвать с литературой и театром, доказывая, что кино должно существовать без слов.
Течение «первого авангарда» плавно перешло во «второй авангард» (1924 — 1930 годы), который в поисках «чистого киноискусства» пошел дальше — никакого сценария, а, значит, и сюжета; можно обойтись и без актеров; а что, если просто не изображать реальный мир? Привет, сюрреализм! Кстати, музыкальное сопровождение к некоторым фильмам режиссеров «второго авангарда» (Рене Клер, Луис Бюнюель, Жан Вино) писал Эрик Сати — музыкант-импрессионист. Но это уже другая история.
Что взяли кинематографисты от художников-импрессионистов?
Режиссеры научились строить кадр — выработали основные принципы композиции, изучили световые эффекты, научились «ловить момент». До киноимпрессионистов никто в мире так скрупулёзно не работал над сценой. Взгляд живописца — вот что переняли кинематографисты. Луи Деллюк, Жан Эпштейн и другие разрабатывали способы идеального изображения объекта на экране. Они первые, кто стал работать с ритмом, крупностью плана, чистотой стиля. В доктрине импрессионистов говорится об изображении современного мира, тех событий, которые происходят здесь и сейчас — киноимпрессионисты послушно выполняли это требование.
Вместо заключения
Опыт художников-импрессионистов показал нам, как картина без точных форм и содержания может воздействовать на зрителя, а эксперименты киноимпрессионистов наглядно продемонстрировали, что кино не может существовать без героя, конфликта и сюжета. Исключением, пожалуй, являются работы некоторых режиссеров Японии и Южной Кореи, где в изображение вплетается восточная философия. Например, фильм «Токийская история» (1953 г). Ясудзиро Одзу стал культовым, несмотря на минимализм, скупой сюжет и практически статичную камеру. А фильм Ким Ки Дука «Весна, лето, осень, зима …. и снова весна» 2003 г. зритель радушно принял и полюбил: и немые сцены, и длинные планы, демонстрирующие движение природы.
Помимо нечетких контуров и эффекта «первого впечатления», импрессионисты познакомили нас с другими способами восприятия реальности. Их методы, разработанные в противовес академизму, как нельзя лучше вписываются в концепцию современности: поймать момент. И эта концепция не только прочно осела в других областях искусства, но и неуловимо вписывается в нашу повседневную жизнь.
* Соцсеть, принадлежащая Meta Platforms Inc., признанной экстремистской организацией на территории РФ.
Почему экспрессионизм в живописи в статье выдаётся за импрессионизм? Ведь на сколько я знаю, в импрессионизме идея в том, что бы изображать позитивные моменты жизни, и в работах используются только яркие краски и не используется чёрная.